Off The Wall

Danielle Bonnet, alias Dani B, ist eine Neonkünstlerin aus Los Angeles. Für dieses Projekt hat sie ein 120 cm x 120 cm großes Neonkunstwerk mit einem Adler kreiert, das ihre Ansichten über Geld, Macht und Freiheit in Amerika zum Ausdruck bringt. Dani wurde in Las Vegas geboren und kam erstmals durch ihre Großeltern, die ein Reparaturgeschäft für Leuchtreklame betrieben, mit der Kunstform in Kontakt. Sie gibt dem Familienhandwerk ihren eigenen künstlerischen Touch.

Christopher Martin ist ein multidisziplinärer Künstler, der die afroamerikanische Diaspora in seinen Kunstwerken thematisiert. Chris arbeitet mit Tattoos, Illustrationen und handgenähten Bannern – alle verbunden durch eine kühne Bildsprache, die seine Sicht der afroamerikanischen Kultur und Geschichte in Amerika widerspiegelt. Für dieses Projekt schuf er einen Kurzfilm, der sich auf die wichtigsten Themen und Motive seiner Arbeit bezieht.

Die Arbeiten der in Los Angeles ansässigen Annabell Lee zeichnen sich durch eine handwerkliche Ästhetik, eine schrille 80er-Jahre-Farbpalette und ihre selbst entworfenen Arrangements aus. Für dieses Projekt schuf sie eine Kollektion von handbemalten und handgenähten Kissen. Annabell, die sich im Bereich der DIY-Mode bewegt, konzentriert sich auf die Herstellung von handbemalten Kleidungsstücken und Gemälden mit Textilfarbe und wechselt oft zwischen den Rollen der Malerin, Designerin und Fotografin hin und her.

Anthony Acosta ist ein professioneller Skate-Fotograf aus Los Angeles. Seine Arbeiten wurden in Magazinen auf der ganzen Welt veröffentlicht und seit 13 Jahren ist er als Fotograf für Vans tätig. Für dieses Projekt hat er zusammen mit einer Gruppe von Freunden eine voll funktionsfähige Dunkelkammer gebaut, um Filme zu Hause entwickeln und Abzüge erstellen zu können – mehr Arbeiten von Anthony findest du hier.

Karla Almendra ist eine Textilkünstlerin, die in Guadalajara, Mexiko, lebt und mit natürlichen Fasern und Farben arbeitet. Für dieses Projekt nutzte sie eine Vielzahl von Pflanzen, um deren Farben und Pigmente zu extrahieren und eine Kollektion von natürlich gefärbten Bannern, Kleidungsstücken und Schuhen zu kreieren.

Eloise Dörr ist eine Londoner Skaterin und Künstlerin, die für dieses Projekt ein Triptychon aus bemalten Skateboards geschaffen hat. In ihren Werken tummeln sich oft skatende Figuren – manchmal groß, manchmal klein und manchmal irgendwo in der Mitte. Sie nimmt sie mit auf Reisen, die von Neugierde und Fernweh erfüllt sind und sowohl auf Einsamkeit als auch auf Gemeinschaft basieren.

Alex Jenkins ist ein Illustrator und Comiczeichner aus Süd-London. Die Arbeiten von Alex erforschen oft satirische und kritische Themen durch einen unverwechselbaren und lebendigen Stil. Dabei versucht er, sich nicht zu verstellen und einfach im Humor zu versinken, während er das Absurde und Surreale anspricht. Für dieses Projekt erweckte er eine seiner Figuren als zwei Meter hohe Fiberglas-Skulptur zum Leben.

Start From Zero begann als Street-Art-Crew in Hongkong und hat sich seitdem zu einem Streetwear- und Holzkunst-Kollektiv weiterentwickelt. Neben Streetwear und Wohnaccessoires kreieren sie handgefertigte Holzstücke für die Ladenbeschilderung und für Kreative im Allgemeinen. Für dieses Projekt erstellten sie einen gemusterten Keks-Hocker.

Rewina Beshue ist eine Illustratorin, Grafikdesignerin und Digitalkünstlerin aus San Francisco. In der Highschool begann sie, sich selbst Grafikdesign beizubringen, und studierte schließlich Design und visuelle Kommunikation an der San Francisco State University. Ihre Arbeit erforscht Konzepte von Erinnerung und Zeit und bezieht sich in ihren geometrischen Zeichnungen auf Theorien der vierten Dimension.

Chris Johanson ist ein Künstler, der seine Zeit zwischen Portland und Los Angeles aufteilt. Johansons Arbeit changiert zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion, da er diese beiden Arbeitsweisen als miteinander verbundenen Ausdruck für seinen festen Glauben an Umweltbewusstsein, Mitgefühl und ein friedliches Zusammenleben sieht. Für dieses Projekt hat er mit den Schülern des KSMOCA (King School Museum of Contemporary Art) in Portland, Oregon, zusammengearbeitet und eine Reihe von Zementskulpturen erschaffen, die von Zeichnungen der Schüler inspiriert sind.

Erma Fiend ist eine Multimedia-Animationsfirma, die die Arbeit von Giphy Artist Lee Friend Roberts veröffentlicht. Für dieses Projekt haben sie ein gelooptes, animiertes Selbstportrait erstellt.

Lalese Stamps ist eine Keramikkünstlerin und Grafikdesignerin, die derzeit in Columbus, Ohio, lebt. Ihre aktuelle Kollektion, 100 Mugs in 100 Days, zeigt ihre vielfältigen Designs. Sie ist die Gründerin von Lolly Lolly Ceramics und hat für dieses Projekt eine übergroße Keramikvase entworfen.

Gaudmother ist ein autodidaktisches Studioexperiment in West Philadelphia, das von Brit Rodriguez geleitet wird. Durch Gaudmother hofft Brit, mit gutem Beispiel voranzugehen und alle Interessierten zu ermutigen, sich ihre Träume zu erfüllen – mit dem, was sie haben, und so schnell wie möglich. Kunst ist Medizin, und vielen läuft die Zeit davon, um schnell genug gesund zu werden. Für dieses Projekt hat sie einen handgefertigten Teppich entworfen.

Hyunjun Koo ist ein Skateboarder und Künstler aus Seoul, Südkorea. Hyunjun ist leicht an seiner farbenfrohen und ausdrucksstarken Herangehensweise an Kunst und Skateboarding zu erkennen. Er kann in lokalen Skateparks gesichtet werden, wo er oft komplexe Skate-Tricks hinlegt, die in den 80er Jahren berühmt waren. Seine Liebe zur Metal- und Punk-Musik und zur Anti-Establishment-Kultur als Ganzes ist eine treibende Kraft sowohl in seiner Kunst als auch im Skateboarding. Für dieses Projekt schuf Hyunjun ein einzigartiges Stück Griptape-Art.

Su Wukou ist eine Modedesignerin aus Guangzhou, China. Seine Wurzeln liegen in der Architektur und im Städtebau und so ist Su bekannt für eine durchdachte und kalkulierte Herangehensweise in seinen Modedesigns. Für dieses Projekt hat Su ein Booklet erstellt, in dem die Geschichte hinter seiner jüngsten Produktkollektion für Vans „Year of the Ox“ aber auch die involvierten Mitarbeiter hervorgehoben wurden.

Ende 2019, kurz bevor wegen Covid-19 Live-Auftritte weltweit abgesagt wurden, haben wir unsere Fans ins House of Vans London eingeladen, um kreativ zu werden und ein Musikvideo für JPEGMAFIA zu drehen. Über 500 Menschen mit 500 verschiedenen Perspektiven haben zu einem großen Ganzen beigetragen. Wir hatten Hunderte Stunden Content und haben die Fotos und Videos von unseren Fans genommen und daraus ein Musikvideo gemacht, das uns fließend durch die Menschenmenge und den gesamten Auftritt führt. Wir sind davon überzeugt, dass jeder eine kreative Seite hat, die nur darauf wartet, entdeckt zu werden, und dieses Video erweckt unsere Überzeugung zum Leben.

Kelly Breez ist eine Multimedia-Künstlerin aus Miami, Florida, deren Arbeiten Illustration, Skulptur, Tufting (Garn-/Textildesign), Holzbearbeitung, Malerei und 3D-Werke mit gemischten Medien umfassen. Sie beschäftigt sich mit dem Leben, den Geschichten und den Einflüssen hinter den fragwürdigen Geheimnissen und Charakteren, die Südflorida zu so diesem ganz besonderen tropischen Brachland machen. Sie stellt die Anti-Glamour-Seite des Lebens auf ein Podest und adelt sie künstlerisch. Für dieses Projekt schuf sie ein großformatiges, von Hand getuftetes Kunstwerk aus Acryl- und Wollgarn.

Franco Rivas, alias Pepe, ist ein 28-jähriger Surfer aus Mar del Plata, Argentinien. Zusammen mit seinem Partner Amantes del Fin de Tarde (AFT) leitet er eine Videoproduktionsfirma und ein Kunstkollektiv, dessen Schwerpunkt auf Surfen, bildender Kunst, Musik, Yoga und nachhaltigem Tourismus liegt. Für dieses Projekt entschied er sich, ein „Reclaimed Surfboard“ aus den Resten zu bauen, die beim Shapen eines Surfbretts anfallen.

Beatrice Domond, Justin Henry, Cher Strauberry und Corey Glick haben mindestens zwei Gemeinsamkeiten: ihre Liebe zum Skateboarden und dem Herausbringen von Zines. Sie leben in den USA und sind Teil des Vans Skateboard Teams. Jeder von ihnen hat seine eigene Ästhetik und seinen eigenen Stil. Deshalb haben sie für dieses Projekt individuell an ihrem eigenen Skate-Zine gearbeitet und es dann zu einem limitierten 4er-Pack zusammengestellt.

Helena Garza ist eine bildende Künstlerin, die in Mexiko City lebt und arbeitet. Sie begann ihre künstlerische Karriere in klassischer Musik, Malerei und analoger Fotografie, bevor sie sich mit verschiedenen Medien wie Wandmalereien, Grafikdesign, Animation und VR beschäftigte. Ihr neuestes Projekt heißt RAUDO. *Gemeinsam mit dem Musiker Bernardo Pérez erschafft Raudo eindringliche Erlebnisse, die durch Sonic Exploration und VR-Installation entstehen.

Tuck Wai, auch bekannt als Mister Tucks, ist ein in Singapur ansässiger Künstler und Gründer des Temple of Skate. Temple Of Skate ist ein Ort, an dem er seine Kreativität durch Illustrationen ausdrücken kann und in Form von Drucken, Kleidung, Zines und vielem mehr mit der Welt teilt. Für dieses Projekt hat er einen Holzschnitt erstellt.

Muzi, auch bekannt als „The Zulu Skywalker“, ist einer der angesehensten und meist diskutierten Musiker, die aktuell aus Südafrika kommen. Der stolze Zulu-Künstler stammt aus einer Gemeinde in Empangeni, etwa 140 km nördlich von Durban. Seine Wurzeln spielen eine wichtige Rolle in seiner Musik und verbinden gekonnt den Einfluss modernster urbaner und elektronischer Musik mit lokalen Genres wie Maskandi, Kwaito, Iscathamiya und dem Bubblegum Pop der 80er und 90er Jahre.

Zhao Hao Sen, auch bekannt als Candy, ist ein professioneller Illustrator, Animator und Inhaber von CANDYMADE aus Chengdu in der Provinz Sichuan. Er ist der Schöpfer hinter allen Aspekten seiner Animationen, vom ersten Konzept bis zur endgültigen Animation und den Charakterstimmen. Sein Sinn für Humor und seine einzigartigen Charaktere bevölkern ein farbenfrohes und schrulliges Universum.

Jennifer Williams (* 1982) ist eine autodidaktische Künstlerin, die in Philadelphia geboren und aufgewachsen ist. Fantasy-Rock- und Punk-Bands sind ein wichtiges Thema in ihrer Kunst, mit einem besonderen Schwerpunkt auf einer von ihr selbst gegründeten Gruppe namens The Raven Call. Jennifers Kunst ist eine direkte Dokumentation der Welt und der Dinge, die sie mag und gleichzeitig dessen, was sie aus ihrer Fantasie heraus entstehen lässt. Jennifer ist ein ehemaliges Mitglied der Band Wonder Abyss und aktuelles Mitglied von The Soapbox: Community Print Shop & Zine Library in Philadelphia.

Wavy ist ein Modedesigner und bildender Künstler aus Korea. Er ist der Gründer von Padotagi, einer Bekleidungsmarke, die stark von den grafischen T-Shirts der 90er Jahre beeinflusst ist. Wavy arbeitet mit lokalen Promis zusammen, um einzigartige Designs zu kreieren. Für dieses Projekt hat Wavy eine legendäre Aufnahme von Steve Caballero genommen und sie mit östlicher Ästhetik versehen, um ein echtes Original-Cab-T-Shirt zu entwerfen.

Seit „Controller“ von 2018 hat Channel Tres den Drive von Detroit Techno und die geschmeidigen Grooves von Chicago House mit dem Knurren von West Coast Rap kombiniert. Seine Musik ist nicht länger der Geheimtipp, den Dance-DJs vermutlich gerne für sich behalten hätten. In den letzten zwei Jahren hat Channel Arenen in der ganzen Welt ausverkauft und Fans von Elton John bis Tyler the Creator gewonnen. Für Channel geht es bei Musik darum, eine Verbindung zu seiner eigenen Vergangenheit zu finden, sei es in seinen Texten oder durch die Einflüsse und die Musikgeschichte, die er in seinen Produktionen aufzeigt. Für dieses Projekt hat Channel ein Spoken Word Poem geschrieben.

Peter Sutherland ist ein Fotograf und Mixed-Media-Künstler aus Salida, Colorado. Für dieses Projekt hat er einen POV-Film geschaffen, in dem er die vielen Komponenten seiner Fotographie dokumentiert und erforscht.

Lei-Mai LeMaow ist eine Künstlerin und Designerin aus Liverpool, die in Manchester lebt aber auf der ganzen Welt malt. Aus ihrer Erfahrung mit Graffiti entstand eine natürliche Liebe zum Schreiben und Malen auf Wänden und eine Liebe zur Illustration. Sie hat viel mit Kleidung- und Schuh-Designs gearbeitet und ihre Arbeit ist eine imposante Mischung aus verschiedenen Medien, modernen Stilen und Techniken.

Denzel Curry ist ein Rapper, Schriftsteller und Comiczeichner aus Carol City, Florida. Derzeit lebt er in Los Angeles. Für dieses Projekt hat er ein Poster mit Kunstwerken aus seinem nächsten Comic „Hail Trials“ und seiner Custom Old Skool ™-Kollaboration gemacht.

Orion Sun ist bildender Künstler, Multiinstrumentalist und Singer-Songwriter aus Philadelphia, Pennsylvania. Nachdem ihre Familie 2015 ihr Haus verloren hatte, lebte sie fast ein Jahr im Hotel, bevor sie alleine losgezogen ist, bei Freunden auf der Couch geschlafen und viel Musik gemacht hat. Philly Sound Exchange bringt Jugendliche aus verschiedenen Kulturen zu gemeinsamen Songwriting-/Aufnahmeprojekten zusammen, die sich auf soziale Gerechtigkeit konzentrieren. Ziel ist es, die Stimmen der Schüler in Gesprächen über Abstammung, Gerechtigkeit und soziale Gerechtigkeit zu verstärken, indem Plattformen für Jugendliche mit unterschiedlichem Hintergrund bereitgestellt werden, um mit Hilfe von Kunst zusammenzuarbeiten. Für dieses Projekt half Orion Sun als Mentor gemeinsam mit zwei Mitgliedern von Philly Sound Exchange beim Akt 1 of Flowers mit. Während der Pandemie erarbeiteten sie mit über 30 Schülern ein visuelles Album.

Chloé Bernard ist eine Tätowiererin, Grafikdesignerin, Skateboarderin und Malerin aus Marseille, Frankreich. Sie besuchte vier Jahre lang die Kunstakademie in Marseille, bevor sie (freundlich) rausgeschmissen wurde. In den nächsten fünf Jahren gründete sie mit zwei ihrer Freundinnen ein Kunstkollektiv, in dem sie Ausstellungen über Malerei und das Skateboardfahren organisierten. Chloé fährt Skateboard, seit sie 15 Jahre alt ist, und hat die ganze Welt bereist. Ihre Erfahrung als Organisatorin und Jurorin hat sie zu ihrer derzeitigen Arbeit als Skatetrainerin für Mädchen gebracht. Für dieses Projekt malte Chloé ein großflächiges, dreidimensionales Wandbild in einer alten, verlassenen Fußgängerbrücke.

WIE LANGE HAT ES VON DER ERSTEN IDEE FÜR DAS WANDBILD BIS ZUR FERTIGSTELLUNG GEDAUERT?
Chloe Bernard:Das Malen dauerte genau zehn Tage lang. Aber wenn man die Konzeptualisierung und die Suche nach einem Ort usw. dazurechnet, ... hat es mich einen Monat gekostet.

WO BEFINDET SICH DAS WANDBILD UND KANN MAN ES SICH PERSÖNLICH ANSEHEN?
Chloe Bernard:Das Wandgemälde befindet sich in einer alten Fußgängerbrücke. Abgesperrt, mitten in einer Brachfläche namens La Friche in Marseille. Man braucht einen Schlüssel, um es sich anzusehen, man kann also nicht einfach so hingehen.

IST ES DAS ERSTE MAL, DASS DU ETWAS SO GROSSES GEMALT HAST?
Chloe Bernard:Ich bin es gewohnt, große Dinge zu malen. Skateparks, Wandmalereien ... aber sicher ist es eines der größten, vor allem weil es dreidimensional ist. Boden, Wände und Decke.

PASSIERT IN DER KREATIVEN SZENE GERADE ETWAS, WORÜBER DU DICH BESONDERS FREUST?
Chloe Bernard:Meow Wolf.

GIBT ES EINE MESSAGE ODER EIN GEFÜHL, DAS DU DEN MENSCHEN DURCH DEINE KUNST MIT AUF DEN WEG GEBEN MÖCHTEST?
Chloe Bernard:Ich denke, ich liebe es einfach, meinen Geist in fantastische Räume zu projizieren ... und ich versuche, das durch meine Kreationen zu erreichen. Ich versuche, diese surrealen Landschaften wahr werden zu lassen. Mit dem dreidimensionalen Wandbild hast du das Gefühl, Teil des Wahnsinns zu sein, weil du tatsächlich mittendrin stehst.

HAST DU IRGENDWELCHE ANDEREN PROJEKTE, AUF DIE DU DICH FREUST?
Chloe Bernard:Habe ich immer. Man muss immer Projekte, Ideen und Fantasien im Leben haben. Einfach um nach vorne zu schauen, um weiter zu sehen. Im Moment tätowiere ich in einem Studio und ich stelle eine Malereiausstellung mit großen Leinwänden zusammen. Die sollte eigentlich vor einem Jahr stattfinden, aber die Situation mit COVID hat es wirklich schwer gemacht. Also, hoffentlich bald!

Die Leidenschaft für Abenteuer scheint Norma im Blut zu liegen. Sie ist Skateboarderin, Mountainbikerin, Fotografin, Gärtnerin und Social-Media-Marketerin in einem. Sie stammt ursprünglich aus Mexiko und zog 2009 nach Kanada, wo sie sich in British Columbia verliebte. Ihre erlebnisreiche Reise führte sie schlussendlich zu ihrer Liebe zum Skateboardfahren. Nachdem sie 2015 nach East Vancouver gezogen war, fand sie ihre Skateboard-Community. Seitdem hat sich Norma eine prominente Rolle in den Skateboard-Medien erarbeitet. Sie hat es sich zur Aufgabe gemacht, Skater*innen zu dokumentieren und weniger bekannte Communitys auf der ganzen Welt zu beleuchten. Für dieses Projekt hat Norma ein Fotobuch erstellt, das sich auf die Skateszene in Mexiko konzentriert.

WIE HAT SICH DIE SKATESZENE IN MEXIKO VERÄNDERT, SEIT DU DORT WEGGEZOGEN BIST?
Norma Ibarra: In den letzten Jahren hat die Anzahl der Skater*innen wirklich zugenommen, mit haufenweise Crews, Community-Gruppen und inspirierenden Menschen, die unglaubliche Arbeit leisten. Ich liebe es, wie sich die Community zusammenfindet und trotz der Situation und den Herausforderungen in Mexiko ihre eigenen Events, ihre eigene Realität schafft. Ich fühle mich so privilegiert, das zu erleben, ein Teil davon zu sein und etwas von der aktuellen Geschichte des Skateboardens in Mexiko einzufangen. Als ich jung war, habe ich mich nicht im Skateboardfahren wiedergefunden. Wenn du jetzt in einen Skatepark in den großen Städten Mexikos gehst, gibt es dort so viele Menschen, die wie ich aussehen, dass ich mich mit der Community identifizieren kann und endlich selbst ein Teil von ihr bin. Das ist so inspirierend!

HAST DU IRGENDWELCHE LIEBLINGSFOTOS ODER -ABSCHNITTE IM BUCH?
Norma Ibarra:Ich mag meinen Abschnitt über Nayarit wirklich sehr. Ich wollte diese Gegend schon immer mal besuchen – es gibt dort wunderschöne Strände und unglaubliche Surfspots. Der Shore Skatepark, der am Ende des Buches vorgestellt wird, hat diesen unglaublichen Pool und dann gibt es noch einige coole natürliche Spots in der Region Nayarit.

GIBT ES EINE BESTIMMTE KAMERA, MIT DER DU AM LIEBSTEN FOTOGRAFIERST?
Norma Ibarra:In den letzten zwei oder drei Jahren hat es mich gereizt, Analog- und Digitalfotografie zu mischen. Ich habe immer sowohl meine Digital- als auch meine Analogkamera dabei, wenn ich unterwegs bin. In letzter Zeit experimentiere ich gerne mit alten Kameras, die ich online oder in Secondhandläden gefunden habe. Ich bin auch sehr angetan von der Idee, Videos von meinen Freund*innen beim Skateboarden zu filmen und zu schneiden, etwas Neues, das ich dieses Jahr ausprobieren möchte.

GIBT ES ETWAS BESTIMMTES IN DER SKATEKULTUR, WORÜBER DU DICH GERADE BESONDERS FREUST?
Norma Ibarra:Ich bin wirklich begeistert von der Entwicklung des Skateboardens, wie viele Mitglieder unserer Communitys sich für Sicherheit, Gleichberechtigung und Vielfalt im Skateboardfahren einsetzen. Ich freue mich wirklich auf die weitere Entwicklung und darauf, dass die Jugendlichen Vorbilder haben, zu denen sie aufschauen können. Außerdem freue ich mich zu sehen, wie meine Freund*innen Unterstützung von Marken bekommen, Profis werden, neue Marken gründen, Videos drehen oder Events veranstalten; ich freue mich, sie aufblühen zu sehen. Ich kann es kaum erwarten, dass die zukünftigen Generationen eine inklusivere Szene genießen und Mentor*innen und Vorbilder haben, zu denen sie aufschauen können, wenn sie mit dem Skateboarden beginnen.

HAST DU NOCH ANDERE FOTOGRAFIE-PROJEKTE GEPLANT?
Norma Ibarra:Yeah! Ich arbeite an ein paar Kollaborationen mit anderen Künstler*innen. Ich fotografiere auch weiter meine Community in Kanada, meine Freund*innen und Kollektive; hoffentlich kommt dabei am Ende des Jahres ein schönes Projekt heraus. Dieses Jahr möchte ich auch mehr Videos und Mixed-Media-Projekte verwirklichen.

Quispiam Habilis ist ein Kunst- und Designstudio mit Sitz in Korea. Die Liebe zum Detail und zur Handwerkskunst ist, was die schrulligen und fantasievollen Kreationen so beliebt macht. Die Mitglieder des Studios haben alle unterschiedliche Kompetenzen, wodurch sie praktisch jede Idee zum Leben erwecken können. In der Hoffnung, mit außerirdischem Leben zu kommunizieren, schufen sie für dieses Projekt einen Turntable aus Keramik, der Musik ins Weltall senden soll.

WOHER KAM DIE IDEE, DIESEN TURNTABLE ZU BAUEN?
Alle unsere Mitglieder interessieren sich sowohl für Musik als auch für das Kunsthandwerk. Durch unsere Liebe für Musik interessierten wir uns auch für Turntablism, also beschlossen wir, mit unseren Fähigkeiten einen Turntable zu bauen. Wir dachten, es wäre schön, wenn unser Gerät nicht nur Musik abspielen würde, sondern mit jedem auf der Welt kommunizieren könnte.

WOHER KOMMT DER NAME QUISPIAM HABILIS UND WAS BEDEUTET ER?
„Quispiam Habilis“ ist lateinisch für „Menschen, die Dinge mit ihren Händen machen“ oder „Dinge, die mit den Händen gemacht werden“. Der Name drückt unsere Begeisterung für die Handwerkskunst aus. Das ist, was uns am wichtigsten ist.

WIE VIELE VERSCHIEDENE PERSONEN HABEN AN DEM PLATTENSPIELER GEARBEITET UND WAS SIND IHRE NAMEN?
Wir sind fünf Mitglieder in unserem Team: Seung Heon Yoo (Leitung, Keramikhandwerk), Joo Ho Lee (Metallhandwerk), Young Gyun Kim (3D-Druck), Chang Hee Seok (Grafikdesign) und Jae Hwan Hwang (Animieren, 3D-Modellierung). „DJ Redef“ war außerdem der DJ in unserem Video.

WIE LANGE HAT ES GEDAUERT, DEN TURNTABLE VON DER ERSTEN IDEE BIS ZUM FERTIGEN STÜCK REALITÄT WERDEN ZU LASSEN.
Die Idee habe ich in nur kurzer Zeit entwickelt. Allerdings hat es wegen der Natur des Kunsthandwerks sehr lange gedauert, bis der Turntable fertig war. Es hat besonders lange gedauert, die Ausrüstung für den eigentlichen Betrieb und die internen Vorrichtungen für die Montage dieser Ausrüstung zu designen. Dadurch hat es über zwei Monate gedauert, das Gerät zu bauen.

KÖNNT IHR UNS EIN BISSCHEN ÜBER DEN PROZESS ERZÄHLEN? WURDE DAS KUNSTWERK MIT EINEM 3D-DRUCKER HERGESTELLT?
Zuerst haben wir mechanische Geräte für den Betrieb entworfen. Basierend auf diesem Design haben wir den äußeren Rahmen entwickelt. Nachdem die Keramik des Hauptrahmens fertiggestellt war, haben wir Stück für Stück Metall- und 3D-Druckteile modifiziert und ergänzt, die zur Größe des Keramikrahmens passten. Die Slipmat wurde entsprechend dem Konzept entworfen und mittels Siebdruckverfahrens hergestellt. Im Video wurde mit dem Kommunikationsgerät ein Signal an eine außerirdische Lebensform gesendet und DJ Redef gab sich große Mühe das Signal zu kreieren.

WOHER KOMMEN EURE IDEEN, WENN IHR ETWAS NEUES KREIEREN MÖCHTET?
Im Grunde genommen lassen wir uns natürlich von unseren Interessen inspirieren. Gleichzeitig greifen wir die Handwerkskunst vergangener Tage auf und verweben sie mit dem heutigen Zeitgeist. Oder wir stellen uns Motive vor, die uns in der Zukunft erwarten könnten. Wenn wir uns eine neue Aufgabe stellen, ist uns am wichtigsten, uns mit dem Kunsthandwerk der Vergangenheit und der Gegenwart auseinanderzusetzen und uns um die Zukunft des Handwerks Gedanken zu machen.

GIBT ES PLÄNE, DEN TURNTABLE LIVE ZU SPIELEN, DAMIT MAN IHN SICH ANSEHEN KANN?
Wenn möglich, wollen wir der Öffentlichkeit zeigen, wie wir mit unserem Turntable mit dem Außerirdischen kommunizieren. Das könnte aber gefährlich werden ...

HABEN DIE ALIENS SICH SCHON ZURÜCK GEMELDET?
Das können wir dir nicht im Detail beantworten, weil es vertraulich ist. Aber wir können zumindest sagen, dass wir ein gutes Verhältnis zu ihnen haben. Ha ha.

Noah Humes ist ein in Los Angeles ansässiger Multimedia-Künstler. Er erhielt seinen Bachelor of Fine Arts in Kunstkommunikation mit dem Schwerpunkt Illustrationen vom Otis College of Art and Design im Jahr 2017. Seine Kunst manifestiert seine Gedanken und Interpretationen zu politischen und sozialen Problemen, die sich in der Welt um ihn herum abspielen, und erforscht und überdenkt die Konvergenz von Erfahrung, Erinnerung, Geschichte und Ausdruck. Er nutzt seine Erfahrungen und Erinnerungen, um seine Leidenschaft zu schüren. Er malt Figuren und teilt persönliche Momente, die auf der Leinwand zum Leben erwachen. Für dieses Projekt hat Noah ein Porträt gemalt, das von den „Black Lives Matter“-Protesten des letzten Jahres inspiriert wurde.

WIE LANGE MALST DU SCHON UND WAS REIZT DICH DARAN?
Im Alter von etwa vier Jahren zeichnete ich eine Vase, über die meine Eltern wegen der gelungenen Ausführung völlig erstaunt waren. Von da an schenkten sie meiner Malerei ihre Aufmerksamkeit und halfen mir dabei, diese Leidenschaft, mit der ich jeden verfügbaren Moment füllte, zu perfektionieren. Ein Jahr später teilte jemand unter meinen Lehrer*innen dieselbe Reaktion, und ich wurde im Brentwood Art Center in Klassen mit Kindern im Alter von 10 bis 13 Jahren eingeteilt. Nach dem Highschool-Abschluss besuchte ich das Otis College of Art and Design, wo ich 2017 meinen BFA in Communication Arts mit Schwerpunkt Illustration erhielt. Außerdem habe ich eine künstlerische Plattform geschaffen, auf der ich mich voll und ganz in imaginäre und tatsächliche Inhalte vertieft habe, die bis heute Bestand haben.

KANNST DU UNS EIN BISSCHEN DARÜBER ERZÄHLEN, WAS DU FÜR DIESES PROJEKT KREIERT HAST?
Ich wollte darauf eingehen, wie ich persönlich und auf dem Bildschirm miterlebt habe, wie sich das Jahr 2020 mit einer Explosion von notwendigem Aufruhr und „Black Lives Matter“-Protesten zu entwickeln begann.

HAST DU IN ANBETRACHT DER EREIGNISSE UND DER STIMMUNG DES VERGANGENEN JAHRES MEHR ODER WENIGER GEMALT ALS DU ES NORMALERWEISE TUN WÜRDEST?
Es war eine Mischung aus ein paar Pausen, um sich von den Geschehnissen zu erholen, und der Pflicht, durch meinen Ausdruck das aktuelle gesellschaftliche Klima zu dokumentieren, was ich persönlich als Kreativer für notwendig erachtete.

HAST DU FESTGESTELLT, DASS SICH DAS THEMA ODER DIE HERANGEHENSWEISE AN DEINE ARBEIT VERÄNDERT HAT?
Es hat sich nichts geändert – ich habe noch viel mehr Material, das ich darüber teilen kann. Noch nie standen wir und diese Problematik so im Rampenlicht.

GIBT ES EINE MESSAGE, DIE DU DEN MENSCHEN DURCH DEINE KUNST MIT AUF DEN WEG GEBEN MÖCHTEST?
Ich liebe die Möglichkeit, zuerst einmal die eigene Interpretation und dann eine Neubewertung zu formulieren, und als Letztes kommt das Verständnis dafür, was der Künstler mit seinem Werk eigentlich gemeint hat. Diese ersten beiden Schritte machen auch das Künstlerdasein aus, mit einer wahren und ehrlichen Verbindung.

GIBT ES IRGENDETWAS BESTIMMTES, DAS IN LETZTER ZEIT IN DER KREATIVEN SZENE VOR SICH GEHT, DAS DU INSPIRIEREND FINDEST?
Nichts Spezifisches, aber es gibt einige Künstler*innen da draußen, deren Kunst mir zu Herzen geht und die meine kreative Natur anregen.

Triple B Records wurde im Herbst 2005 vom damals 17-jährigen Sam Yarmuth gegründet. Seitdem hat das Label über 150 Releases für Bands aus den Genres Punk, Hardcore, Metal und Indie-Rock veröffentlicht, darunter Mindforce, Candy, Fury, Terror, Bane und viele andere. Triple B wird derzeit aus verschiedenen winzigen Wohnungen ohne Fenster in Brooklyn, Boston und Aloma, Florida betrieben. Für dieses Projekt hat Triple B ein Compilation-Album mit über 40 Bands mit neuen und exklusiven Tracks erstellt.

AUF EINER SKALA VON 1-10, WIE SCHWER WAR ES, DIESES COMPILATION-ALBUM WÄHREND EINER PANDEMIE HERAUSZUBRINGEN?
Überraschenderweise war es nicht so schwer wie die vorherigen America's Hardcore Compilations! Ich denke, mit der Pandemie haben alle nach einer Art kreativem Ventil gesucht. Die Compilation gab ihnen die Möglichkeit, nicht nur als Band zu üben, sondern auch weiterzuschreiben.

WIE OFT IST DEIN WI-FI WÄHREND DES PROZESSES AUSGEFALLEN?
Ehrlich gesagt, unfassbar oft. Unsere Internetverbindung in Brooklyn ist SCHROTT (Optimum Internet, ich hasse dich). Das Senden und Empfangen von großen Dateien für das Projekt brachten mich viel zu oft dazu, mir verzweifelt die Haare auszureißen.

BIST DU BEREIT DAFÜR, DASS DIE LIVESHOWS UND TOUREN WIEDER LOSGEHEN?
JA x 100. Ich habe die Pause von den Shows und Touren aber genossen. Es ist das erste Mal seit über zehn Jahren, dass ich wirklich Zeit für mich habe und neue Dinge ausprobieren kann. Viel freie Zeit zu haben, war schön, aber ich vermisse die Shows und Tourneen wahnsinnig und ich kann es kaum erwarten, dass es wieder losgeht. Ich denke, Anfang 2022 wird alles wieder in vollem Gange sein.

IRGENDWELCHE TIPPS FÜR NACHWUCHSBANDS, DIE PLATTEN PRODUZIEREN LASSEN WOLLEN?
Seid ihr selbst! Schreibt, was ihr schreiben wollt, macht, was ihr machen wollt. Lasst euch nicht dazu hinreißen, das zu tun, von dem ihr glaubt, dass es euch weiterbringt. Authentizität ist das wertvollste Gut, das eine Band haben kann.

DU MUSST KEINE NAMEN NENNEN, ABER IRGENDWELCHE GESCHICHTEN ÜBER SCHWIERIGE BANDS, DIE IN DIESES PROJEKT INVOLVIERT SIND?
Meine eigene Band, Warfare, hat es nicht geschafft, einen Song fertigzustellen, ha ha. Wir leben jeweils am anderen Ende des Landes, also passte das Timing einfach nicht. Ehrlich gesagt, war es mit keiner Band wirklich schwierig zu arbeiten. Wir hatten einige Probleme mit unserem Künstler Kyle Niland, aber das kannst du im Video sehen, ha ha.

WO KANN MAN DIE PLATTE FINDEN UND WANN KOMMT SIE HERAUS?
Die Platte wird direkt über unsere Website (www.triple-brecords.com), Evil Greed in der EU und bei den meisten lokalen Händlern/Plattenläden erhältlich sein. Wenn es in deiner Gegend einen Plattenladen gibt, in dem du gerne unsere Releases sehen würdest, schick uns die Kontaktdaten!

Olivia Krause macht Multimediakunst von Oakland, Kalifornien, aus und erforscht abstrakte Momente der menschlichen Erfahrung. Olivia nutzt Fotografie, Malerei, Textilien und Installationen, um Gefühle und flüchtige Momente in einem Standbild festzuhalten. Durch expressionistische und farbenfrohe Aufnahmen erzählen die Kunstwerke eine Geschichte von gesammelten Erfahrungen. Mit der Fotografie möchte Olivia persönliche Motivwelten einfangen. In der Malerei und auf Textilien arbeitet Olivia mit verschiedenen Medien wie Farbe, Bleichmittel und Airbrush, um Emotionen und Bilder aufzuzeichnen und zu löschen, so dass Zeit und Veränderung in die Stücke eingebettet sind, und um zu zeigen, dass nichts von Dauer ist. Für dieses Projekt wurden zwei Skate-Rampen bemalt, die anschließend gespendet wurden.

KANNST DU UNS EIN WENIG ÜBER DICH UND DIE ART DEINER KUNSTWERKE ERZÄHLEN?
Mein Name ist Olivia Krause und ich mache Multimediakunst. Ich schaffe abstrakte Gemälde und individuelle, einmalige Kleidung. Ich fotografiere auch gerne und liebe es, fesselnde Porträts zu schießen. Mich inspirieren die flüchtigen Momente der Lebendigkeit, die man in der Natur findet, wie die Farben von reifen Früchten, intensive Sonnenuntergänge, das Gefühl von Liebe und die Bewegung von fließendem Wasser. Ich mag es, diese Momente miteinander zu kombinieren, um abstrakte Kompositionen und saftige Bilder zu schaffen.

FÜR DIESES PROJEKT HAST DU EINE REIHE VON SKATERAMPEN BEMALT. WAR ES DAS ERSTE MAL, DASS DU AUF 3D-OBJEKTEN GEMALT HAST?
Das war eines der ersten Male, dass ich auf 3D-Objekten gemalt habe, und es hat mir sehr viel Spaß gemacht und war eine Herausforderung. Ich habe schon Wandbilder und Holzausschnitte gemacht, aber die Rampen zu bemalen war wie eine Kombination aus all diesen Dingen.

HATTEST DU IRGENDWELCHE PROBLEME AUFGRUND DER FORMEN?
Ich hatte keine größeren Probleme, außer die großen und schweren Teile zu bewegen und umzudrehen. Es war sehr schwer für mich, sie selbst anzuheben und zu verschieben. Ich war vor dem Bau ziemlich nervös, aber am Ende hat es richtig Spaß gemacht.

WAS HAT DICH DAZU BEWOGEN, DEINE KUNST AUF SKATEBAREN OBJEKTEN ZU PLATZIEREN?
Ich liebe Skateboardfahren und ich fahre viel mit meinen Freund*innen Skateboard. Ich wollte etwas erschaffen, das andere Leute nutzen und genießen können. Als ich die Anzeige für ein GoFundMe für das Apache Passion Project sah, dachte ich, dass ich etwas für diese Aktion kreieren könnte. Vans als Unternehmen war für mich schon immer Teil des Skatens und ich wollte ausprobieren, was ich damit erreichen kann! Ich skate normalerweise mit Frauen, nicht-binären, trans und queeren Skater*innen in der Bay Area und ich wollte ein paar Rampen gestalten, die mehr nach meinem Geschmack als Mitglied dieser Community sind. Manchmal denke ich, dass die Kunst und Grafiken, die beim Skaten und anderen Sportarten verwendet werden, nur heterosexuelle Männer anzusprechen versuchen.

BEGINNST DU NORMALERWEISE MIT EINER SKIZZE ODER FÄNGST DU DIREKT MIT DEM MALEN AN?
Ich mache einige leichte Skizzen und Collagen, wenn ich über Ideen für meine Kunstwerke nachdenke. Ich sammle Bildmaterial und Ideen, die ich zu einem einzigartigen Stück kombinieren möchte. Ich lasse mich vom Malprozess leiten, um die Linien und die Farbwahl zu treffen. Ein großer Teil der Magie entsteht durch den Entstehungsprozess eines Bildes.

GIBT ES ETWAS, DAS GERADE IN DER KREATIVEN SZENE VOR SICH GEHT, WORÜBER DU DICH BESONDERS FREUST?
Ich bin wirklich gespannt, welche Kunstwerke die Menschen während der Quarantäne und im letzten Jahr erschaffen haben. Ich denke, dass die Isolation uns dazu antreibt, tiefer in uns zu gehen und neue Wege zu beschreiten. Ich glaube, es wird wirklich schön sein, wenn wir alle unsere introspektiven Kreationen miteinander teilen können.

Daniel Barreto ist ein experimenteller Künstler aus Mexiko, der mit seinen abstrakten Formen und lebendigen Farben einen einzigartigen, unverkennbaren Stil etabliert hat. Seine Arbeiten zeigen großes Interesse an Wiederholungen und daran, wie Licht auf Objekte wirkt. Die Arbeit von Barreto ist vielseitig und multidisziplinär. Für dieses Projekt hat er eine großflächige Illustration erstellt, auf die er dann seine eigene Animation projiziert hat.

WIE LANGE ILLUSTRIERST DU SCHON? WANN HAST DU ANGEFANGEN, AUF DEINE WERKE ZU PROJIZIEREN?
Ich illustriere, seit ich ein Kind bin. Seit 2015 illustriere ich auf eine professionellere Art und Weise. 2014 habe ich mit Videomapping-Projektionen begonnen. Ich habe zum ersten Mal eine Videomapping-Projektion für ein digitales Kunstfestival in Guadalajara, Mexiko realisiert. Damals habe ich auf die großen Blätter einer Pflanze projiziert. Die letzte war vor zwei Jahren und es war eine sehr einfache Projektion auf ein Acrylbild. Für dieses Projekt wollte ich noch einen draufsetzen. Mit dem vorherigen Verständnis, wie eine Projektion auf einem Gemälde aussieht, wusste ich, dass dieses Werk eine Herausforderung sein würde. Ich fühlte mich aber auch sicher mit all meinen Materialien.

WIE LANGE BRAUCHST DU NORMALERWEISE FÜR DIE VERSCHIEDENEN TEILE DES PROZESSES? ILLUSTRATION UND DANN ANIMATION?
Im Schnitt einen Monat oder zwei Wochen – es hängt von der Art der Animation ab, die ich machen möchte.

IST ES KOMPLIZIERT DEN PROJEKTOR ZU KALIBRIEREN UND AUSZURICHTEN? WIE FUNKTIONIERT DAS?
Es ist kompliziert oder zumindest ist es das jedes Mal, wenn ich anfange. Es fühlt sich unmöglich an, die Oberfläche oder das Bild mit der Projektion abzugleichen, aber nach ein paar Minuten klappt alles ganz gut. Ich benutze eine Videomapping-Software namens Mad Mapper. Ich liebe sie, weil man das Bild auf jede erdenkliche Weise verzerren und formen kann und weil man damit sehr präzise arbeiten kann.

DIESES WERK KOMMT MIR GANZ SCHÖN GROSS VOR. IST DAS DER NORMALE MASSSTAB, IN DEM DU ARBEITEST? WÜRDEST DU JEMALS NOCH GRÖSSER ARBEITEN WOLLEN?
Ich habe schon früher in großen Dimensionen gearbeitet, aber noch nie mit Projektionen. Ich möchte auf jeden Fall noch größer arbeiten. Vielleicht sogar eine Projektion auf ein großes Wandbild oder ein anderes Format.

GIBT ES IRGENDETWAS, DAS IN LETZTER ZEIT IN DER KREATIVEN SZENE VOR SICH GEHT, DAS DU INSPIRIEREND FINDEST?
Ich lasse mich von all der neuen Kunst inspirieren, die gerade entsteht, alles von Musik bis zu bildender Kunst. Das Gute am technologischen Fortschritt ist, dass jeder jetzt Musiker*innen oder Animator*innen sein kann und alle von zu Hause aus produzieren können, ohne viel Geld für teure Geräte, Studiostunden etc. ausgeben zu müssen. Du musst nur ein paar Stunden aufwenden, um dir Sachen zu erarbeiten und aus deinen Erfahrungen zu lernen. Mich inspiriert die codegenerierte Kunst sehr, aber ich werde nicht selbst damit anfangen. Allerdings mag ich Michael Kozlowskis Linsenraster und seine codegenerierte Kunst sehr.

Bailey Hikawa erhielt einen Bachelor of Fine Arts in Malerei und Textilien vom California College of the Arts in San Francisco, Kalifornien. Ihre Arbeit erstreckt sich über Malerei, Bildhauerei, Kunstregie, Bühnenbild, immersive Installation, surreale Skulptur und experimentelle Performance. Alle ihre Erfahrungen tragen dazu bei, wie sie über funktionale und skulpturale Objekte denkt. Sie lebt und arbeitet in Los Angeles und startete ihr Designstudio Hikawa Ende 2019 mit der Veröffentlichung von Kame, einer Reihe von skulpturalen und ergonomischen iPhone-Hüllen. Für dieses Projekt hat sie ein Set von Handyhüllen mit Checkerboard-Muster entworfen.

KANNST DU UNS EIN WENIG ÜBER DEINEN WERDEGANG ERZÄHLEN UND WIE DU ANGEFANGEN HAST, DIE HANDYHÜLLEN UND ANDERE ACCESSOIRES ZU ENTWERFEN?
Ich habe am California College of the Arts in San Francisco Malerei studiert. Nach der Uni fing ich an, für einen Theaterausstatter zu arbeiten, was mich total umgehauen hat. Dadurch habe ich in der Film-, Werbe- und Fernsehbranche als künstlerische Leiterin und Requisiteurin gearbeitet. Aber über die Jahre habe ich immer auch ein Kunstatelier unterhalten – ein Ort, an dem ich um seiner selbst willen alles schaffen konnte, was ich wollte. Hier habe ich meine erste skulpturale Handyhülle gestaltet, ein Objekt, das die Grenze zwischen Kunst und Funktion verwischt. Da wurde mir klar, dass ich, als ich nach der Kunstschule zum Film und Fernsehen ging, in Wahrheit nach einem kreativen Ventil gesucht hatte, das Menschen jenseits des weißen Raums einer Galerie oder eines Museums berührt. Als ich die Handyhüllen entdeckte, wusste ich, dass sie mein Weg nach vorne sind.

IN DIE IST IMMER AUCH EIN CHECKERBOARD-MUSTER EINGEARBEITET. HAST DU DAMIT SCHON IN VERGANGENEN DESIGNS GEARBEITET?
Meine erste Einzelausstellung im Jahr 2012 war eine immersive Installation, bei der ich den Boden mit einem Schachbrettmuster gefliest habe, das die Gemälde und Skulpturen begleitete. Grafische Muster sind schon immer ein Werkzeug für meine Arbeit gewesen, egal ob es sich um ein Gemälde, eine Requisite oder eine Installation handelt. Ich habe auch eine karierte Hose, die ich oft trage, und einen karierten Becher, aus dem ich jeden Morgen Kaffee trinke. Ich habe mich also gefreut, einen Vorwand zu haben, mich für Vans auf das Checkerboard-Muster zu konzentrieren.

WO ZIEHST DU DIE GRENZE ZWISCHEN ETWAS FUNKTIONALEM UND ETWAS SKULPTURALEM?
Ich frage mich: Kann ich es jeden Tag verwenden? Wenn die Antwort ja ist, ist es funktional. Wenn die Antwort nein ist, ist es skulptural. Aber genau dort, wo die Grenze verschwimmt, finde ich es am spannendsten.

WAS GLAUBST DU, WIE VIELE INDIVIDUELLE HÜLLEN HAST DU SCHON HERGESTELLT?
Inzwischen sicher ein paar Tausend!

WAS IST DIE EXTRAVAGANTESTE HANDYHÜLLE, DIE DU BISHER ANGEFERTIGT HAST?
Ha. Sind sie nicht alle ein bisschen extravagant? Okay, aber die extravaganteste Hülle, die ich gemacht habe, ist ein extrem schwerer Marmorblock, in den ich eine Kerbe geschnitzt habe, an dem mein altes iPhone 4 leben kann. Ich sehe es als „Sarghülle“ für mein geliebtes altes Telefon.

WIE SIEHT DEINE HANDYHÜLLE FÜR DEN TÄGLICHEN GEBRAUCH AUS?
Ich wechsle meine Handyhülle ständig! Ich probiere Handyhüllen gerne an meinem eigenen Handy aus. Das Material, die Farbe, die Haltbarkeit. Ich verwende mein Handy für die Forschung und Entwicklung im echten Leben. In den letzten Wochen hatte ich zum Beispiel einen neuen 3D-gedruckten Prototyp, den ich getestet habe, um zu sehen, wie gut das Material für zukünftige Designs geeignet ist.

GIBT ES ETWAS, DAS GERADE IN DER KREATIVEN SZENE VOR SICH GEHT, WORÜBER DU DICH BESONDERS FREUST?
Ich freue mich darüber, dass sich die Kultur in eine Richtung bewegt, in der Menschen direkter mit Künstler*innen im Kontakt stehen. Was ich meine ist, dass das Internet und die sozialen Medien es den Menschen ermöglichen, Künstler*innen und Macher*innen zu finden, mit deren Arbeit sie direkt interagieren können. Künstler*innen sind gefühlt seit dem Anbeginn der Zeit auf Vermittler*innen angewiesen und jetzt endlich geht es nur noch um die Beziehung zwischen Künstler*in und Kunstliebhaber*in. Gefällt dir das Werk? Cool, dann kannst du dich entscheiden, wie du damit interagieren möchtest.

Liz Hernández (geb. 1993) ist eine mexikanische Künstlerin, die in Oakland, Kalifornien, lebt und vor allem mit Themen arbeitet, die mit ihrer Kindheit und Jugend zu tun haben. Inspiriert von der Bewegung des magischen Realismus in Lateinamerika, verwendet sie Bilder aus ihren Erinnerungen an ihr Leben in Mexico City, wobei sie übernatürliche Elemente und Symbolik aufgreift, um Themen des modernen Lebens anzusprechen. Hernández' Tätigkeit konzentriert sich auf Malerei und Skulptur und seit Kurzem auch auf die Wandmalerei. Sie hat ihre Arbeiten in der San Francisco Bay Area, Los Angeles und Mexico City ausgestellt.

KANNST DU UNS EIN WENIG DARÜBER ERZÄHLEN, WAS DU GEMACHT HAST?
Ich habe eine Jacke mit Symbolen für Schutz und Glück bemalt. Zu der Zeit, als ich an diesem Projekt gearbeitet habe, habe ich auch ein großes Wandbild für das SFMOMA geplant. Bei all dem, was seit Anfang 2020 passiert war, lag mein Fokus bereits auf Ideen von Heilung und Schutz. Ich fühlte mich ein wenig verloren, verletzt und ich wollte mich unbedingt sicher, ruhig und hoffnungsvoll fühlen. Während ich über Amulette und Rituale recherchierte, dachte ich immer wieder an meine Großmutter, die eine sehr spirituelle Frau ist. Sie trägt immer Amulette um den Hals und an der Kleidung und ich fühlte mich sehr von ihr inspiriert, als ich die Jacke gestaltete. Ich liebe es, dass das Tragen eines Symbols kraftvoll sein und uns ein Gefühl der Sicherheit geben kann. Mit dem Wandbild konnte ich sehen, wie diese Symbole und Texte auf einer Wand und in einem großen Maßstab zusammenkommen, was sehr beeindruckend war. Mit der Jacke wollte ich einige dieser Symbole näher an meinen Körper bringen und ich fragte mich, wie es sich wohl anfühlt, sie zu tragen und ihre Bedeutungsschwere zu spüren.

WANN HAST DU ANGEFANGEN ZU ILLUSTRIEREN UND ZU MALEN? WAS MAGST DU DARAN?
Ich habe schon immer gerne Kunst gemacht, aber es nie wirklich ernst genommen. Ich ging aufs College und machte einen Abschluss in Industriedesign und erst 2015 drängte mich mein damaliger Freund (der jetzt mein Mann ist!) dazu, es zu versuchen. Wir hingen zusammen ab und zeichneten zusammen, ohne es wirklich ernst zu nehmen, nur um gemeinsam etwas zu genießen. Ein Jahr später wurden wir plötzlich eingeladen, zusammen eine Kunstausstellung in der Good Mother Gallery in Oakland zu veranstalten, und von da an habe ich begonnen, meine Kunst konsequenter zu entwickeln. So klischeehaft es auch klingt, Kunst zu schaffen, ist für mich sehr therapeutisch. Es erlaubt mir, Gedanken und Emotionen durch das Machen zu verarbeiten. Es bietet mir auch die Möglichkeit, Geschichten zu erzählen, die überraschenderweise bei Menschen mit ganz unterschiedlichen Hintergründen Anklang finden. Das war etwas, was ich nie erwartet hätte. Ich bin so dankbar, dass ich Kunst machen kann, und selbst wenn niemand sie jemals sehen würde, würde ich sie immer noch machen, denn sie tröstet mich wirklich und hilft mir, mich in der Welt zurechtzufinden.

HAST DU SCHON IMMER MIT KLEIDUNG UND TEXTILIEN GEARBEITET, ODER IST DAS EIN NEUES MEDIUM FÜR DICH? WAS MAGST DU DARAN?
Das habe ich, aber das ist schon viele Jahre her! Ich wollte ein paar Textilmuster entwickeln, um sie auf meine Kleidung zu übertragen, also habe ich mich mit einer Boutique in Berkeley zusammengetan, die mit mir an Kleidungsstücken arbeiten wollte. Wir haben drei verschiedene Drucke auf Kleidern angefertigt, die toll geworden sind. Sie waren alle handbemalt!

Dieses Mal war es anders, weil ich mit einer konzeptionelleren Vision an die Jacke herangegangen bin, was es schwieriger gemacht hat. Ich musste bewusster mit den Symbolen und Worten umgehen, die ich verwendet habe. Die Bilder auf der Jacke waren detaillierter als die auf den Kleidern, die ich gestaltet habe, und sie zu malen war schwieriger. Ich mag es, dass man Kunst erleben kann, indem man sie trägt, und dass sie nicht auf eine Wand oder einen Sockel beschränkt ist. Tragbare Kunst zu kreieren, bietet auch einen zugänglicheren Weg, Kunst zu besitzen, und das ist eine Richtung, in die ich mich mehr bewegen möchte.

WAS HAT DICH AN IKONOGRAPHIE, TALISMANEN UND AMULETTEN INSPIRIERT, DASS DU ANGEFANGEN HAST SIE ZU ILLUSTRIEREN?
Ich war schon immer von Ritualen und Magie fasziniert. Als ich in Mexiko aufgewachsen bin, waren all diese Dinge nicht allzu ungewöhnlich. Vielleicht war es auch einfach in meiner Familie präsenter, aber ich denke, dass die Verbindung zu Ritualen in der mexikanischen Kultur präsenter ist als in der amerikanischen Kultur. Ich finde es sehr inspirierend, wie einfache Objekte und Bilder mächtig werden können, indem man einfach glaubt, dass sie es sind. Ich lasse mich auch von Ereignissen inspirieren, die jenseits rationaler Erklärungen liegen. Sie sind spannend für mich, weil sie als Erinnerung dafür dienen, dass Menschen nicht alles kontrollieren können. Es erinnert uns daran, wie klein wir im Vergleich zu anderen, größeren Kräften, wie zum Beispiel der Natur, sind. Manchmal denken wir, dass wir alles wissen, dass es immer einen logischen Grund für alles gibt, aber wenn unerklärliche Dinge passieren, erinnert uns das daran, wie klein wir sind.

DU WOHNST JETZT IN OAKLAND. KOMMST DU NOCH OFT NACH MEXICO CITY?
Früher war ich viel öfter zu Besuch und habe einen guten Teil des Jahres im Haus meiner Eltern verbracht, aber jetzt tue ich das nicht mehr so oft, wie ich es gerne würde. Ich konnte Mexico City wegen der Pandemie seit über einem Jahr nicht mehr besuchen, aber ich plane einen Besuch, sobald ich wieder reisen kann. Ich möchte mehr Zeit mit meiner Familie und an einem Ort verbringen, der mir immer noch sehr wichtig ist. Ich vermisse ihn jetzt mehr denn je.

GIBT ES ETWAS, DAS GERADE IN DER KREATIVEN SZENE VOR SICH GEHT, WORÜBER DU DICH BESONDERS FREUST?
Ich mag es, dass alles, was in der Kunstwelt passiert, gezwungen wurde zu entschleunigen. Viele Jahre lang ist alles viel zu schnell gegangen und jetzt merken wir, dass das vielleicht gar nicht gut ist. Zu lange wurde die kreative Arbeit missbraucht und nicht genug wertgeschätzt. Ich hoffe, wir lernen aus dem, was wir durchmachen! Ich möchte daran glauben, dass wir als Künstler*innen und Kreative bewusster werden und eine nachhaltigere Art des Schaffens entwickeln.

Yuri Murai ist eine Skaterin und Skate-Filmemacherin aus Tokio, Japan. Sie begann vor 15 Jahren mit dem Skaten und vor etwa 10 Jahren mit dem Filmemachen. Yuri hat fast jedes zweite Jahr Skateboardfilme veröffentlicht, darunter Restart und die Joy and Sorrow Serie. Als ihr die Allgegenwart von Plexiglas während der COVID-19-Pandemie auffiel, beschloss sie, ein Skatevideo zu drehen, in dem Plexiglas sowohl als Skate-Obstacle als auch als filmisches Gestaltungsmittel dient.

WANN HAST DU ANGEFANGEN SKATEVIDEOS ZU DREHEN? WAS MAGST DU AN IHNEN SO SEHR?
Ich habe vor 10 Jahren mit dem Filmen angefangen, also mache ich natürlich gerne coole Videos. Es ist natürlich manchmal schwierig, ein Street-Skatevideo zu filmen, aber ich arbeite gerne mit Freund*innen zusammen, um gute Spots zu finden, Tricks auszuwählen und lange zu beratschlagen. Ich mag es am meisten, wenn wir mit dem Filmen fertig sind und das Video mit Freund*innen zusammen anschauen, mit all der Freude, dem Ärger, dem Kummer und dem Vergnügen, das das mit sich bringt.

WANN IST DIR DIE IDEE GEKOMMEN, EIN STÜCK PLEXIGLAS ZU VERWENDEN?
Wir sehen es an vielen Orten in Japan für den Schutz vor COVID-19. Wir müssen Masken tragen, müssen mit Plexiglas leben. Ich mache mir Sorgen darüber, wie lange wir noch durchhalten müssen, also dachte ich, als ich dieses Projekt mit Vans bekam, ich kann versuchen, das Negative durch Skateboarden zum Positiven zu machen.

GLAUBST DU, DASS ES SCHWIERIGER ODER EINFACHER WAR, WÄHREND COVID-19 COOLE ORTE ZUM SKATEN ZU FINDEN?
Ich glaube nicht, dass sich geändert hat, wo wir skaten, auch nicht während COVID-19, aber es wird definitiv schwieriger, Street zu skaten, weil die Olympiade vor der Tür steht.

WIR HABEN BEMERKT, DASS DU OFT DURCH DAS PLEXIGLAS GEFILMT HAST. HAST DU DAS GEFÜHL, DASS DU DADURCH EINE NEUE PERSPEKTIVE BEIM EINFANGEN VON TRICKS BEKOMMEN HAST?
Ich denke, dass Skateboarden frei macht und wir mit vielen verschiedenen Ideen viel Spaß haben können.

GIBT ES IRGENDETWAS, DAS IN LETZTER ZEIT IN DER KREATIVEN SZENE VOR SICH GEHT, DAS DU INTERESSANT ODER INSPIRIEREND FINDEST?
Während der Pandemie werden Online-Wettbewerbe und Videos immer beliebter. So können die Menschen jetzt mehr Videos mit Freunden machen, die uns helfen, bessere Freundschaften aufzubauen. Ich werde auch von Menschen inspiriert, die dasselbe tun wie ich.

HAST DU EINEN TIPP FÜR JUNGE ODER AUFSTREBENDE FILMEMACHER*INNEN?
Es ist nicht wichtig, wen du filmst, es spielt keine Rolle, ob es Profis oder berühmte Skater*innen sind, oder ob du eine hochwertige Kamera hast. Du kannst alle Skater*innen mit jeder Kamera filmen. Es ist wichtiger, dass es eine gute Beziehung zwischen Filmer*in und Skater*in gibt. Das macht das Video viel besser. Möchtest du diese Skater*innen wirklich filmen? Möchten diese Skater*innen wirklich, dass du sie filmst? Wenn harte Zeiten kommen, können wir uns gegenseitig unterstützen und ich denke, dass es richtig Spaß macht, Skateboardvideos mit diesem Gedanken im Hinterkopf zu drehen.

Deaton Chris Anthony, alias DCA, ist ein Musiker, Künstler und Modedesigner aus Los Angeles. Da er ständig das Bedürfnis hat zu kreieren, trifft man ihn oft dabei, wie er Sounds für seine Musik sampelt, neue Kleidungsstücke aus seiner Sweatshirt-Kollektion zusammennäht oder einzigartige Teppiche kreiert (oder Wugs, wie er sie nennt). Er ist mit dem Bowling aufgewachsen und hat letztes Jahr seine Leidenschaft für diesen Sport wiederentdeckt. In seinem üblichen Stil, unerwartete Dinge zu kombinieren, entschied er sich, für dieses Projekt einen neuen Track aus gesampelten Bowling-Sounds zu kreieren.

KANNST DU UNS EIN BISSCHEN ÜBER DICH SELBST UND DARÜBER ERZÄHLEN, WIE LANGE DU SCHON MUSIK MACHST?
Willkommen, hier ist Deaton Chris Anthony. Man hat mir erzählt, dass man als Kind die Buntstifte vor mir versteckt hat, denn sobald ich einen gefunden habe, bin ich sofort zur Wand gegangen und habe überall hingekritzelt. Nichts hat sich geändert, außer dass jetzt nichts mehr versteckt ist und meine Buntstifte Musik, Kleidung und Bowling sind.

DU SCHEINST ES WIRKLICH ZU GENIESSEN, MIT VERSCHIEDENEN SOUNDS UND INSTRUMENTEN ZU EXPERIMENTIEREN. WAS FESSELT DICH DARAN SO SEHR?
Als Schüler des Internets finde ich es interessant, wie ich die Möglichkeit habe, das gesamte Klangspektrum augenblicklich zu konsumieren. Das World Wide Web hat mir diese Perspektive gegeben und ich finde, das neue Kapitel der Musik heutzutage ist Nostalgie.

ERZÄHLE UNS EIN WENIG ÜBER DEINE BEGEISTERUNG FÜR BOWLING. ERINNERST DU DICH AN DEINE BESTE PUNKTZAHL?
Willkommen 2021. Das Jahr, in dem ich bowle. Ich bowle schon solange ich denken kann. Als ich 12 war, hatte ich die höchste Punktzahl in meiner Heimatstadt. Meine höchste Punktzahl ist eine 300 und ich werde eines Tages eine 300 im nationalen Fernsehen bowlen.

MUSIK IST ABER NICHT DEINE EINZIGE KREATIVE LEIDENSCHAFT. WAS SIND DIE ANDEREN KREATIVEN AUSDRUCKSFORMEN, DIE DU AM MEISTEN GENIESST?
Ich habe das Gefühl, die Inspiration kommt von der Musik, wenn ich Kleidung mache. Die Perspektive kommt von der Kleidung, wenn ich Musik mache. Ich bin nicht an perfekter Musik oder perfekter Kleidung interessiert. Ich bin an einer perfekten Balance der beiden interessiert.

HAST DU EINEN TIPP FÜR JUNGE ODER AUFSTREBENDE KÜNSTLER*INNEN?
Löse ein Problem in deiner Kunst. Das hat immer funktioniert. Meine besten Ideen entstehen, wenn ich etwas auseinandernehme, nur um es wieder zusammenzusetzen.

IDLES ist eine britische Rockband aus London, deren Musik für ihre Leidenschaft, aber auch für schwarzen Humor bekannt ist. In einer Musiklandschaft, die zu sicher und hygienisch geworden ist, stemmen sich die IDLES mit aller Kraft gegen die Norm. Sie wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und haben ausverkaufte Tourneen rund um die Welt gespielt. Für dieses Projekt trägt der IDLES-Sänger Joe Talbot einen Monolog mit dem Titel „In Defense of the Arts“ vor.

GIBT ES ÄHNLICHKEITEN ODER PARALLELEN ZWISCHEN DEM SCHREIBEN EINES SPOKEN-WORD-STÜCKS WIE DIESEM UND DEM SONGWRITING?
Der Hauptunterschied zum Schreiben für Songs ist die Kadenz – ich höre mir die Musik so oft an, bis der Song mich in einen Rhythmus drängt, und dann schreibt sich der Song von selbst. Bei jedem anderen Schreiben, auch bei der Poesie, versuche ich, mich von der Form zu lösen und einfach zu schreiben. Dann blicke ich zurück und streiche den Schrott, wobei das Motiv immer ist, was ich möchte, dass die Leser*innen fühlen.

WAS IST ES, DAS DU AN DER KUNST SO WICHTIG FINDEST, DASS SIE UNTERSTÜTZT, BEWAHRT UND GESCHÜTZT WERDEN MUSS?
Kunst ist der Weg der Ermächtigung für das Individuum, um sich als Teil der Welt zu fühlen, und das ist zwingend notwendig für den Sinn eines jeden Menschen, egal wie kreativ er oder sie glaubt zu sein. Alle sind zur Schönheit fähig.

GIBT ES IRGENDETWAS, DAS IN LETZTER ZEIT IN DER KREATIVEN SZENE VOR SICH GEHT, DAS DU BESONDERS INTERESSANT ODER INSPIRIEREND FINDEST?
Ich denke, seit dem Lockdown habe ich die Selbstreflexion als Schlüssel zu meiner Kreativität genutzt. Anstatt einfach mit meiner Kunst weiterzumachen, habe ich mich zurückgelehnt und durchgeatmet, um wertzuschätzen, wie viel Glück ich habe und welche Traumata mich hierhergebracht haben.

Connor Insula beschäftigt sich seit fast vier Jahren mit Collagen und denkt nicht im Traum daran, in absehbarer Zeit damit aufzuhören. Als Künstler aus South East London macht er seine Kunst nicht mit dem Gedanken an Geld – sondern mit vollem Herzblut. Manchmal fällt es ihm leichter, sich durch seine Kunst auszudrücken als mit Worten. Ursprünglich begann er mit Collagen auf Brettern, fing dann aber an, auch Karton, Keramikfliesen und Holz zu bearbeiten. Für dieses Projekt hat er einen interaktiven Bücherstand geschaffen.

KANNST DU EIN WENIG MEHR ÜBER DEINE VERLETZUNG ERZÄHLEN UND WARUM SIE DICH DAZU INSPIRIERT HAT, RADIUS ZU STARTEN?
Es war am Anfang des Sommers, wir waren im Crystal Palace und ich hab einen neuen Trick gelandet und ich hatte eine gute Zeit mit den Homies. Dann, wie aus dem Nichts, bin ich im Pool in einer Ecke gerutscht und habe den ganzen Aufprall auf mein linkes Handgelenk bekommen. Bei der Operation wurde eine Gabel in den Radiusknochen gebohrt, um ihn zu stützen, und danach war ich völlig fertig. Ich war auch ziemlich niedergeschlagen, weil ich mich gerade so langsam richtig gut auf meinem Board gefühlt hatte. Ich habe darüber nachgedacht, wie ich meine Stimmung heben könnte, und entschied mich für eine Collage mit einigen alten Thrasher-Magazinen auf einem Deck, das ich übrighatte. Ich habe mich selbst überrascht und war überglücklich, dass ich gerade eine neue Fähigkeit entdeckt hatte. Von da an habe ich nie wieder zurückgeblickt und dachte, der Name „Radius“ sei angemessen. Es ist jetzt drei Jahre her, dass Radius anfing, und ich bin stolz auf die Erfolge, die wir erreicht haben, aber ich weiß, dass das erst der Anfang ist.

GIBT ES ETWAS AN KNOCHEN ODER SKELETTEN, DAS DICH DAZU BRINGT, SIE IN DEINER ARBEIT ZU VERWENDEN?
Von klein auf war ich immer von den Skeletten fasziniert, die sie im Biologieunterricht hatten. Ich war neugierig, was unter der Oberfläche liegt. Wir vergessen oft, wie komplex unsere Körper sind. Ich habe es immer genossen, geröntgt zu werden, und ich habe mir insgesamt vier Knochen (Schlüsselbein, Finger, Schienbein und Handgelenk) gebrochen. Ich bin kein Anfänger. Aber mein Handgelenk war definitiv das Schlimmste. Aber es war ein Glück im Unglück, weil es mir ermöglichte, meine künstlerische Ader anzuzapfen.

WAS HAT DICH DAZU INSPIRIERT, DEN BÜCHERSTAND ZU ENTWERFEN UND WELCHE ART VON KREATIVEN GEGENSTÄNDEN MÖCHTEST DU PRÄSENTIEREN?
Ich wollte eine interaktive Skulptur machen, die funktionell ist und zum Thema Radiusröntgen passt. Ich wollte schon immer mit Gipsabdrücken und Jesmonit arbeiten, also habe ich sie in das Design integriert. Die Jesmonit-Knochen sind den Elle- und Speichen-Knochen des Handgelenks nachempfunden. Der Leuchtkasten wird genutzt, um die neuesten Veröffentlichungen und Ankündigungen anzuzeigen. Die Visitenkarten sind dafür da, dass die Leute ein bisschen zeichnen und kreativ werden können. Die werden dann später in einem Zine verwendet. Wenn du aus Großbritannien kommst, kennst du bestimmt die alten blauen National-Lottery-Stände. Das war die Inspiration für die funktionale Seite der Sache - das Display mit den aktuellen Zahlen, die Regale und die Kurven.

WO MÖCHTEST DU DER SKULPTUR LETZTENDLICH EIN ZUHAUSE GEBEN?
Es ist zwei Jahre her, dass ich eine Ausstellung in London geschmissen habe, also wäre es großartig, all die neuen Stücke im Depot zu zeigen und dieser Skulptur einen angemessenen Empfang zu geben. Danach wird sie im Bankrupt Store in Shoreditch ihr Zuhause finden. Allerdings wäre es schön, wenn sie im Vans Store noch einmal Urlaub machen würde.

DU HAST ENG MIT EINEM REQUISITEUR ZUSAMMENGEARBEITET, UM DEN BÜCHERSTAND ZUM LEBEN ZU ERWECKEN. IST DAS ETWAS, WAS DU IN DER VERGANGENHEIT OFT GEMACHT HAST ODER WAS DU GERNE ÖFTER MACHEN WÜRDEST?
Wenn es um die künstlerische Seite geht, bin normalerweise nur ich am Steuer, aber die Zusammenarbeit mit Jake Haynes war großartig. Jake arbeitet im Theater als Requisiteur und baut so ziemlich alles. Er war ein echter Profi und hat meine Designs buchstäblich zum Leben erweckt. Mit seinem Skateboard-Hintergrund hatte er sowohl den richtigen Spirit für den Job als auch die richtigen Werkzeuge. Ich arbeite oft mit meinen Freund*innen zusammen, aber das letzte Mal, dass ich mit jemandem zusammengearbeitet habe, war für den Radius x Depop x Vans Schuh, der unglaublich geworden ist, eine meiner Leistungen auf die ich besonders stolz bin.

Der Künstler, Musiker und Surfer Alex Knost experimentiert seit über einem Jahrzehnt in der Subkultur des Surfens mit einer Vielzahl künstlerischer Medien. Genau wie bei seinen einfallsreichen, exzentrischen Surftechniken hinterfragt Knost durch seine Kunst immer wieder den Zusammenhang zwischen Textur und Farbe und sprengt dabei die Regeln künstlerischer Ausdrucksformen. Für dieses Projekt schuf er einen Film über das Surfen und die Erforschung dissonanter Klänge.

KANNST DU UNS EIN WENIG MEHR EINBLICK IN DEN TITEL DES FILMS GEBEN?
The Re-usable Bag begann als Titel eines Gemäldes und erstreckte sich dann weiter zu improvisiertem Ballett und Jazz in der Art von Mallard Costa Rica.

DU SCHEINST EINE ZIEMLICH EKLEKTISCHE SAMMLUNG VON INSTRUMENTEN ZU HABEN. IST IRGENDEINES DAVON EIN BESONDERER FAVORIT?
Ich bin Gitarrist. Kassia ist zu sehen und zu hören, wie sie einen Gong und einzeln gestimmte Schalen spielt. Dieser Soundtrack ist eine Zusammenarbeit zwischen ihren „Klangbädern“ und meiner Neugierde, Geräusche, Dröhnen und Dissonanzen auf der E-Gitarre zu erkunden.

WAS WAR DER GEDANKENPROZESS ODER DIE INSPIRATION HINTER DER MUSIK, DIE DU FÜR DEN FILM GEMACHT HAST?
Improvisierte Zusammenarbeit zu den hallenden Klängen des Dschungels.

SIEHST DU VIELE PARALLELEN ZWISCHEN DEM SURFEN UND DEM MUSIKMACHEN?
In dem Sinne, dass es geprobt, aber nie exakt repliziert werden kann. Immer reagierend und unmittelbar, keine Klangwelle gleicht der anderen.

GIBT ES IRGENDETWAS, DAS DU IM MOMENT IN DER KREATIVEN SZENE INTERESSANT ODER INSPIRIEREND FINDEST?
Natürlich.

HAST DU EINEN TIPP FÜR JUNGE ODER AUFSTREBENDE KÜNSTLER*INNEN?
Mach weiter und blättere vielleicht durch How to Be an Artist von Jerry Saltz.

May Kim, alias Gucci May, ist eine multidisziplinäre Künstlerin aus Los Angeles, Kalifornien. Quelle ihrer Inspiration sind oft die Menschen, denen sie begegnet, und die Gespräche, die sie mit ihnen führt. Sie verwandelt diese Begegnungen in digitale Kunstwerke. Sie bezeichnet sich selbst als von Natur aus schüchtern und nutzt ihre Kunstwerke, um ihre Persönlichkeit und ihre Ideen jenseits von Worten zu transportieren. Für dieses Projekt hat sie eine Sammlung von Animationen in einem Kurzfilm erstellt.

WIE LANGE MACHST DU SCHON 3D-KUNST? WURDEST DU DARIN AUSGEBILDET ODER HAST DU ES DIR AUTODIDAKTISCH BEIGEBRACHT?
Ich habe 2018 zum ersten Mal mit 3D-Programmen für ein 3D-Scan-Mode-Redaktionsprojekt mit Dazed & Confused Korea gearbeitet. Ich hatte glücklicherweise etwas Zeit, mir die 3D-Tools über YouTube beizubringen, sodass ich die meisten Projekte ohne professionelle Ausbildung selbst gemacht habe.

GIBT ES EIN BESTIMMTES TOOL, EINEN PROZESS ODER EINE SOFTWARE, DIE DU BENUTZT, UM DEINE ARBEITEN ZU ERSTELLEN?
Ich benutze meistens Cinema 4D mit dem Octane Renderer, den ich am einfachsten zu bedienen finde. Manchmal arbeite ich mit anderen Künstler*innen zusammen, die Blender benutzen, was für das Animieren mit Simulation nützlich ist.

WENN DU EIN NEUES WERK KREIERST, WO SUCHST DU DANN NACH INSPIRATION?
Ich persönlich bin wirklich begeistert von der Meme-Kultur. Es gibt sie schon eine Weile, aber ich finde es interessant, dass Millennials und Gen Z über schwerwiegende gesellschaftspolitische Themen mit lockeren und lustigen Bildern sprechen. Meine persönlichen Geschichten treiben mich an, neue Werke zu schaffen. Ich möchte, dass die Menschen bei meinen Werken verweilen und sie auf sich selbst reflektieren.

WIE LANGE BRAUCHST DU NORMALERWEISE, UM EINE ANIMATION ZU ERSTELLEN?
Grafische Arbeiten können nur ein paar Tage oder Monate dauern, je nachdem wie komplex das Design ist.

HAST DU EINEN TIPP FÜR JUNGE ODER AUFSTREBENDE KÜNSTLER*INNEN?
Ich würde ihnen raten, keine Angst vor den Gedanken anderer Leute zu haben! Als ich mit meiner Kunst angefangen habe, habe ich mich zu sehr darum gesorgt, was andere darüber zu sagen hatten. Ich würde sagen, werde persönlicher und sage, was du mit deinen Werken sagen willst.

Maomao ist ein unabhängiger Regisseur und von Vans engagierter Fotograf, der in Shanghai, China, lebt. Er hat eine Vorliebe für das Analoge und fotografiert am liebsten auf Film. Für dieses Projekt erstellte er einen Kurzfilm als Anleitung für Skate-Filmer.

WAS HAT DICH DAZU INSPIRIERT, EIN ANLEITUNGSVIDEO ZU KREIEREN?
Der Film mag wie eine Anleitung wirken, ist aber eigentlich die innere Stimme eines Skateboard-Fotografen. Das Skateboardfahren hat sich zu einer einzigartigen, attraktiven Sportart entwickelt, aber nicht ohne dass Skateboard-Fotografen*innen im Hintergrund still und leise dem Sport ihre Aufmerksamkeit schenken. Skaten sieht einfach und elegant aus, aber tatsächlich haben Skater*innen und Fotograf*innen es im Laufe der Zeit immer weiter perfektioniert. Als Fotograf kann ich verstehen, wie schwer es ist, aber es auch genießen. Also werde ich diese Anleitung nutzen, um die Momente zu zeigen, die ich mit Skater*innen erlebt habe, und was in mir vorgeht.

ES SCHEINT EINE MENGE ERKENNTNISSE ZU BRINGEN, WENN MAN SEINE FREUND*INNEN BEIM SKATEBOARDEN FILMT. IRGENDWELCHE LUSTIGEN ODER VERRÜCKTEN GESCHICHTEN?
Was ich am interessantesten finde, ist, dass jedes Mal, wenn ich einen Trick oder eine Line filme, jeder weiß, dass Skater*innen sich aufwärmen müssen, um ihr Bestes zu geben. Aber auch die Fotograf*innen müssen sich aufwärmen und verschiedene Blickwinkel ausprobieren, um die perfekte Kombination der Bewegungen der Skater*innen zu finden. Daher die Motivation, es immer wieder zu versuchen, um den besten Winkel der Skater*innen zu bekommen.